抽象派画家代表人物（世界十大抽象派画家）
抽象派画家代表人物分别是：康定斯基、蒙德里安、马列维奇、克利、威廉·德库宁、马克·罗思科、波洛克、弗朗茨起重机、巴内特·纽曼、赛·托姆布雷。
艺术流派：抽象画派是什么？抽象派指的是抽象绘画这一画派名称。想象和直觉是抽象绘画的基础，反叛具象的表现手法，将造形和色彩加以综合、组织在画面上，呈现出音乐般的节奏形式感。
抽象派，“流派”一定诞生了“画派”；而“画派”，若是传播艺术与学术影响力不够深远，则较难形成一种“流派”。世界有影响力和号召力的一代画家“宗师”和一国官方文化认同的集团风格的主流画派，较易形成有美学影响力的一种“流派”。
抽象绘画（AbstractPainting）是泛指二十世纪想脱离模仿自然的绘画风格而言，包含多种流派，并非某一个派别的名称：它的形成是经过长期持续演进而来的。绘画的意义包含利用此艺术行为再加上图形、构图及其他美学方法去达到画家希望表达的概念及意思。
抽象绘画是以直觉和想象力为创作的出发点，排斥任何具有象征性、文学性、说明性的表现手法，仅将造形和色彩加以综合、组织在画面上。因此抽象绘画呈现出来的纯粹形色，有类似于音乐之处。
抽象绘画的发展趋势，大致可分为：
﹝一﹞几何抽象﹝或称冷抽象﹞。这是以塞尚的理论为出发点，以蒙德里安（Mondrian）为代表，经立体主义、构成主义、新造形主义等发展出来的抽象画派。
﹝二﹞抒情抽象﹝或称热抽象﹞。这是以高更的艺术理念为出发点，经野兽派、表现主义发展出来，带有浪漫的倾向。这个画派可以康丁斯基（Kandinsky）为代表。
绘画从具象变形到纯粹抽象，艺术主体从反映客观客体到表达主观意志逐渐演变。正是在这样的背景下，俄罗斯的康定斯基发表了具有抽象宣言性质的《艺术中的精神》理论著作。在这本书中，康定斯基第一次系统地阐述了抽象画的理论。他首先宣称，时代的变化要求艺术形式有相应的创新，20世纪的艺术不可能恢复到古希腊艺术，否则作品将没有生气，因为时代在变化。
康定斯基在书中进一步指出:“艺术家必须传达思想和感情，掌握形状不是目的，而是取代符合精神内涵的形象。他说:“任何时代的艺术都是其时代的孩子。”只有纯粹的艺术家，在他的作品中只传递内在的、本质的东西，才能找到适合时代精神的艺术形式。在康定斯基看来，具象是“物质的实在”，抽象是“精神的实在”，这恰恰相当于音乐中的实在。物质只是精神表象上的一层薄雾。”
那些只盯着客观世界的艺术家，没有能力用色彩在音乐中表现出灵魂震撼的效果，直接达到精神的深度。康定斯基把抽象绘画中的色彩比作音乐中的音符。在他看来，色彩也有声音和旋律的效果，甚至有交响乐的震撼力量。这是一种直接倾听和再现“内在声音”的能力。抽象绘画是超越于古典艺术之上的只表现“内在声音”的艺术新形式。
荷兰画家蒙德里安是几何抽象的先驱，与德斯伯格等人一起组织了“风格”艺术运动。他提出自己的艺术是“新造型”，艺术应该完全脱离自然的外在形式，以表现抽象精神为目的，追求人与神统一的绝对状态，也就是我们今天所知的“纯抽象”。
蒙德里安早年画的是写实人物和风景画。后来，他从内省的深刻感悟和洞察中创造出普遍现象的秩序和平衡之美。他崇拜直线之美，提倡用最基本的绘画元素(直线、直角、原色)来构成抽象的画面。他相信，通过正确的角度，人们可以观察到万物内部的平静。
他把过去不同时期的作品风格结合起来加以延伸。色彩和线条呈现出轻盈的节奏，画面的音乐性在这里达到了很高的水平。蒙德里安对后来抽象艺术的发展有很大的影响。
在他生命的晚年，蒙德里安搬到了纽约。在这个色彩斑斓的大都市，蒙德里安感受到了没有战争的世界。他在纽约创作的作品比过去更加明亮和生动，反映了纽约的现代经验。
1912年，俄国艺术家马列维奇创造了“至上主义”，它完全抛弃了绘画的语义和描述元素，也抛弃了画面的立体再现。在马列维奇的作品中，这些几何构图是自由的、无拘无束的，在画面上形成了一种旋转或离心的运动。对马列维奇来说，正方形本身具有独特的表达个性。绘画中要排除一切具有自身表现特征的元素，整个构图的重点是没有任何情感因素的直角系统。
马列维奇倾向于选择最简单的形式，如方块。他不断探索着形体、色彩与空间的关系，并断言：“如果想成为真正的画家，那么画家必须抛弃主题与物象。”以这句箴言而付诸实践的至上主义代表作《黑色正方形》，成为了现代艺术的关键之作。这是一幅绝对抽象的油画作品。马列维奇自己视此为艺术中纯粹创造的第一步。这是一幅对客观世界进行否定的至上主义作品，从这幅绘画开始，马列维奇展开了构筑“无物象的世界”。
在马列维奇的绘画中，真正的“现实主义”意味着绘画应该只为自己而存在。也就是说，创造只存在于绘画本身，其中所包含的形状不是从自然中借来的，而是从绘画的质和量中借来的。一切至上主义艺术的基本形式都是从正方形中衍生出来的，矩形是正方形的延伸，圆是正方形的旋转，十字架是垂直于水平的正方形交叉。
保罗·克利，出生于瑞士的一个艺术家庭，年轻时，他受到象征主义和青年风格的影响，创作了一些反映社会不满的蚀刻作品。
没有暴政，只有自由的气息这是克利在讨论康定斯基的抽象艺术时所说的话。克利从表现主义、立体主义、建构主义和未来主义的作品中汲取营养，但对各种主义和风格都保持着超然的态度。他可能不属于任何派别，始终以清醒的自我意识保持独立。
表面的颜色应该表达内部的力量。对他来说，色彩没有附加的意义，它是图片组织中不可分割的一部分。被橙紫红、金赭色、镉色和带点俗气的淡百合所打断的天蓝色调怎能不使人陶醉呢？在他的绘画中，对这幅素描也有一种改编，赋予了它激情的色彩。画家通过蓝色的进阶和灰色的退阶，使色彩表面产生空间和振动。克利从塞尚那里继承了一种信念，认为自然不是外在的，而是内在的。
它“本身就像太阳的梦，主宰着梦的世界”。克利有时会使用野兽派色彩，但绝不是那种带刺的原始色彩。他那柔和、暗沉的红色和绿色让人想起了美妙的月光。除了他在绘画和色彩方面的专业知识，他还拥有组织自己的外观以产生节奏的天赋。他调整了白色和棋盘上最黑的颜色之间的颜色变化，把他的棱镜重叠在一起，就像一个印象，创造了距离，表达了动荡。
威廉·德·库宁(Willem de Kooning)，简称德·库宁(de Kooning)，荷兰裔美国画家，抽象表现主义的灵魂人物之一，人体成为他绘画创作的主体，以山水和书写符号来发展他的抽象世界。他将欧洲立体主义、超现实主义和表现主义的风格融入到他庞大而有力的绘画行为中，将激进艺术的概念融入到他的艺术世界中。即使是极端的绘画也有艺术之美，试图唤醒人们内心与万物的内在联系。
他可能是美国最正宗的“抽象表现主义”画家。在他的晚年，线性笔法终于取代了自然痕迹。但严格地说。即使在他一些最抽象的风景画中，我们也能感受到“自然”的痕迹。
马克·罗斯科的作品通常是画在彩色背景上的空白矩形，边缘模糊，因此空间位置模糊。这种空间感我们在波洛克的作品中也很熟悉。没有深空，这个非常浅的空间是不可预测的，有时很远，有时很近。由于矩形的空间，颜色之间的相互关系发挥了作用，产生了柔和而有节奏的脉动，模糊的连接处隐藏了很多有趣的东西。
罗斯科不认为自己是一个抽象画家，他更关注精神表达。“我对颜色和形式或其他任何东西之间的关系不感兴趣……我唯一感兴趣的是表达人类的基本情感，悲情、狂喜、毁灭等等。”他想在西方的传统文化中找到今天西方文明的根源。他认为现代人的内心体验从古至今都没有离开传统，所以精神内涵的表达需要回到希腊文化传统，尤其是希腊文明中的悲剧意识，这是西方文化最深刻的源泉。
在他成熟的抽象绘画之前，他非常关注希腊和罗马艺术。他从希腊传统中吸收了希腊悲剧精神中人与自然、个人与群体的冲突。在他看来，这些冲突总结了人类生存的基本条件。由于他追求表达的清晰性，为了去除一切与思想无关的东西，他最终发展出一幅全黑的图画，在这幅图画中，他找到了一种与他的悲剧意识完全相符的形式，而且不能再简化了。
波洛克出生于怀俄明州，是20世纪美国抽象画的奠基人之一。他的作品被视为二战后新美国绘画的象征，也是美国艺术脱离欧洲文化后新美国方式的最具代表性的作品。
波洛克的创作过程是不同的。与艺术家在画布上作画的古老传统不同，他将作品的主题解释为绘画行为本身。他不是从素描开始，而是通过一系列的即兴动作来完成作品。他用一根棍子或笔尖蘸上一罐颜料(通常是搪瓷和铝制的)，然后把颜料滴或扔在平躺在地上的画布上，利用直觉和经验，从各个方向随意泼洒颜料，让颜料在画布上滴落，创造出抽象线条纵横交错的效果。
波洛克有时用石头、沙子、钉子和混合了颜料的碎玻璃摩擦画布。他抛弃了画家流行的绘画工具，绘画完全摆脱了传统模式下手腕、肘部和肩膀的控制，即兴、随意的动作，把画在画布上的纵横交错的激动人心的活力，直接记录下他绘画时身体的运动，让观众可以分享这些色彩印记的创作经验。这种方法被称为动作绘画或抽象表现主义。
波洛克最伟大的时刻始于1950年，当时他创作了《秋天的节奏》(Autumn rhythm)、《第32号》(No. 32)和《No.》。然而，波洛克并不认为自己是一个成功的人。反传统的创作精神激励着他，但自我封闭的性格和对社会文化的不满又一次将他推入痛苦的深渊。他一生穷困潦倒，终日酗酒。波洛克1956年死于一场车祸，年仅44岁。
弗朗茨·克兰的作品和波洛克的一样充满活力。20世纪40年代，他热衷于线描，特别是研究单一主题或空间关系的小的黑白草图和细节。1949年的一天，他用幻灯机放大了一些草图，这激发了他发展出自己的风格:白色画布上的大黑线，除了线条，没有任何具体的东西。
画面的空白和有力的黑色笔触使它生动，甚至一些白色看起来更有意义。当人们看到他的作品时，也能理解“动作画”的含义。笔法的操作在作品中非常重要，如匍匐、疾过、滞滞、进退、转折等，与中国书法是和谐的。无论他是否受到东方书法的影响，他的画与东方书法“以黑拟白”的原则是一致的。而在剪裁上一切繁复，只有黑白色彩，以少少于多，达到更有深度的美感——这样的审美趣味与东方书法艺术非常接近。
克兰的第一批大规模黑白抽象画创作于1950年，其特点是巨大、大胆但有节制的笔触和坚固的建筑结构。他的结构对60年代的构成主义雕塑家产生了重大影响。20世纪50年代末，他开始尝试色彩，直到去世前一年(1962年)，色彩才开始在他的作品中发挥重要作用，但结果并不总是令人满意，仿佛色彩在他的构图所表达的思想中并不重要，而只是一种装饰。
纽曼是抽象表现主义色域绘画的代表人物，也是“极简主义艺术”的开创者。他的画作通常由一个大色块上的一条或两条垂直线组成，就像拉链一样，把一个平面的基底分成相匹配的块。纽曼在1948年开始了这种风格的绘画。当他创作了一幅暗红色背景和红色线条的画时，他受到了启发。“我意识到，这里有一些东西可以让我重新开始。”
色块大小、明暗、色彩、线条位置、粗细、质感，都可以形成无数种可能性。纽曼为无数的可能性而苦恼，有时他会花上数周的时间试图弄清楚底线在哪里。这幅看似简单的图画其实非常复杂，体现了他的哲学。纽曼在《新美学序》中写道:“除了空间，什么是最嘈杂的东西?．.． 我的画不是对空间和图像的操纵，而是对时代的感受……”
托姆布雷从绘画和写作的角度提供了一种理解现代艺术的方法。托姆布雷的绘画，其实只是一种表现，它内在的气质本质上来自写作。也就是说，写作是一切表现的源泉。
托姆布雷把书写融进圆画中。与古代中国人不同的是，他没有把对文字内容的理解融入到文字的字里行间。在托姆布雷的圈子里，他使用的单词只能被识别为单词，但没有具体的含义。它们很清楚，视觉上很难阅读，没有任何歧义，但它们没有任何意义。
托姆布雷的写作是一种意识的极端退化，写作和绘画的“意识”同时被最小化，以便服从于直觉。因此，在人类的行为过程中，在人类意识的最低点，写作和绘画这两种行为是汇合的——但在直觉的最高点。这种形式的退化甚至使得20世纪超现实主义的“自动书写”和“梦境影像”，这些被宣称为“无意识行为”的东西，变成了自己的反应，变成了非常有意识的清醒活动。
托姆布雷的绘画不深于文字(或文学)的怀旧，而类似于表面摩擦。当他重复一个古代诗人的名字或一句古代诗句时，他是在呼唤，而这种呼唤是单调地以松散的笔触和松散的摩擦重复的，仿佛是在呼唤某种最虚无的文化观念。摩擦的回响以不稳定的隆隆声回荡着，庄严而衰败，就像一个圆圈画着坟墓里的文字。
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